v1.0 Diese Untertitel sind live produziert. * Glockenläuten * Nirgendwo sonst erzeugen Macht und Kunst einen solchen Wohlklang wie in Venedig. Auch deshalb ist die Stadt eine der größten Touristenattraktionen der Welt. Und alle zwei Jahre öffnet hier auch noch die wohl schönste und wichtigste Kunstausstellung der Welt, die Biennale. 99 Nationen treten mit eigenen Pavillons gegeneinander an. Hier sieht man das Provokanteste, Beste, was die Kunstwelt zu bieten hat. Doch dieses Mal hat die Politik die Biennale fast gesprengt. Die Teilnahme Russlands und Israels bewegte die Jury zum Rücktritt. Ein Skandal. Der Pavillon des Anstoßes wartet gleich hinter dem Zaun der Giardini. Das lindgrüne Märchenschloss aus der späten Zarenzeit ist eine Bühne nach Putins Geschmack. Nach kriegsbedingter Abwesenheit feiert Russland sein Comeback in der Lagunenstadt mit einer kulturellen Spezialoperation. Pussy Riot und Femen-Aktivist*innen demonstrieren gegen die Teilnahme. Putins Pavillon eingehüllt in die Farben der Ukraine. Die wütenden Proteste sind nur das sichtbarste Zeichen gegen die Entscheidung des Biennale-Präsidenten Pietrangelo Buttafuoco, Russlands Auftritt zu ermöglichen. Und zwar gegen alle Widerstände. Die EU will zwei Millionen Euro Fördermittel streichen. Und der Kulturminister und Italiens Ministerpräsidentin Meloni boykottieren die Eröffnung. Erst Schloss die Biennale-Jury Russland und das ebenfalls teilnehmende Israel von der Preisvergabe aus, um schließlich komplett zurückzutreten. Was für ein Chaos. Und Russland? Nutzt seinen Pavillon zur hybriden Kriegsführung unter dem Titel "Der Baum ist im Himmel verwurzelt". Drinnen warten gigantische Blumenbouquets und ein dreitägiges Musikfestival mit staatstreuen Musikern aus allen Teilen von Putins Reich. Entgegen dem Motto, "Böse Menschen kennen keine Lieder". So macht man sich auch Freunde. Schließlich fließen hier Champagner und Wodka in Strömen. Ich beschäftige mich gerne mit Blumen und auch mit Bäumen. Ich krieg auch gerne mal einen Drink ausgegeben, aber das ist jetzt kaum zu ertragen. Nur wenige Meter entfernt, den Aggressor im Blick, hängt der Origami-Hirsch der ukrainischen Künstlerin Zhanna Kadyrova. Schwebend, wie das Schicksal des Landes. Scheinbar verletzlich wie gefaltetes Papier und dennoch hart und widerstandsfähig wie Beton. Was halten Sie von der Ankündigung des Biennale-Direktors, der erklärte, er möchte eine "Diplomatie der Schönheit" und einen "Waffenstillstand der Kultur"? Ist das derzeit überhaupt möglich? ZK: Die Biennale besteht ja zunächst mal aus den nationalen Pavillons. Ich nehme ja auch im Rahmen eines nationalen Pavillons Teil. Das ist eine Botschaft des jeweiligen Landes und wird ja auch dadurch finanziert. Es ist nicht möglich, das zu trennen. Gestern z.B. wurde der russische Pavillon eröffnet und exakt im selben Moment wurde die Saporischschja Region in einem großen Raketenangriff beschossen. Sechs Menschen wurden getötet. Wie kann das sein? Wie können diese beiden Dinge zur gleichen Zeit stattfinden? Künstler haben die Freiheit zu tun, was sie wollen, aber die nationalen Pavillons sind 100% ein politischer Akt. KS: Warum haben Sie einen Hirsch gewählt? Was symbolisiert dieser Hirsch? ZK: Die Skulptur habe ich 2019 in der Donezk Region gemacht. Als Skulptur für einen öffentlichen Park. Damals lag die Grenze 38 km entfernt. 2022 mussten wir die Skulptur evakuieren. Da war die Front noch 5 km entfernt. Heute ist die Stadt komplett besetzt und völlig zerstört. KS: Der niederländische Pavillon, eigentlich ein Symbol von Offenheit und Zukunftsoptimismus, gleicht einem Bunker. Sind die Besucher drin, fällt der eiserne Vorhang. Innen wartet Finsternis. Eine sensationell verstörende Performance. Und die Erkenntnis, dass die Festung Europa einem Gefängnis gleicht. - Care, care, care, take care. KS: Das war eine der intensivsten Erfahrungen, die ich jemals bei einer Biennale gemacht habe. Ich bin auch tatterig. Die Arbeit zeigt, dass je mehr wir uns voneinander abschotten, umso dunkler wird es für uns Menschen. DV: Unsere Länder verwandeln sich heute zunehmend in Bunker. Wir reden uns ein, wir sind zivilisiert. Schaut auf unsere Kunst. Wir halten unseren Raum frei von Propaganda und Softpower. KS: Sie haben im Vorfeld angekündigt, dass Sie die Unsicherheit der globalen Lage in den Safe Space der Biennale bringen wollen. Ist die Biennale überhaupt noch ein Safe Space der Kunst? DV: Ja, ein totaler Safe Space. Die Biennale ist immer noch eine Zeitkapsel der alten Tage, der 80er und 90er, der Zeit nach dem Kalten Krieg, wo wir harmonisch nebeneinander lebten. Wo es uns nicht bewusst war, dass wir die Privilegierten sind. Heute, wo die Welt zu Konflikt beladen ist, suchen wir nach sicheren Orten, brauchen Triggerwarnungen. KS: Manche Pavillons tun so, als gelte die alte Verheißung der Biennale, die Utopie einer besseren Welt, noch immer. Japan nimmt sich den Nachwuchssorgen queerer Männer an und überrascht mit einer praktischen Übung in Nächstenliebe. Ich bin ganz aufgeregt, ich bekomme ein Baby im japanischen Pavillon. Da ist das möglich. Der japanisch-amerikanische Künstler Ei Arakawa Nash hat mit seinem Mann zwei Kinder per Leihmutter geboren. Jetzt teilt er sein Glück mit mir. Meine Mission: das Leihbaby unbeschadet zum Wickeltisch bringen. Sehr praktisch, dass die Babys hier alle so artig sind und nicht schreien. Windel wechseln unter den wachsamen Augen des Künstlers. Wer erfolgreich ist, wird mit einem QR-Code zu einem Gedicht belohnt. Brasilien feiert derweil die Resilienz und Verletzlichkeit der Indigenen. Da bleibt einem glatt die Stimme weg. Das liegt nicht allein an der Qualität der gezeigten Arbeiten. Der Verzehr der Diefenbachie, einer beliebten, gleichwohl giftigen tropischen Hauspflanze, lähmt zuverlässig die Stimmbänder. Auch im kanadischen Pavillon wachsen Pflanzen. Der in Teheran geborene Künstler Abbas Akhavan hat den Pavillon geflutet und Seerosen gepflanzt. Überhaupt: Wasser ist das Element dieser Biennale. In Rumänien flaniert man über den Grund des Schwarzen Meeres. Und nebenan, in Polen, kann man Wahlgesängen lauschen. Interpretiert von einer Gruppe taubstummer Menschen. Wer Timmi den Wal vermisst, findet hier Trost. An was man sich wohl von dieser Biennale erinnert? Womöglich an die 50.000 Postkarten, die der spanische Künstler Oriol Vilanova auf Flohmärkten zusammengetragen hat. Wird unser kollektives Gedächtnis doch durch scheinbar triviale Objekte geprägt? Vergilbt des Souvenirs, die das Fernweh befeuerten und nicht ganz unschuldig daran sind, dass sich auf den Wasserstraßen Venedigs heute die Massen staunen. Auch die Biennale trägt in diesen Tagen dazu bei. Keiner weiß an diesem Morgen, was genau passieren wird, aber alle wollen mit. Die radikalste Performerin dieser Tage, Florentina Holzinger, hat Presse und Kunstwelt zu einer exklusiven, geheimnisvollen Bootstour geladen. Klar ist, es wird nass. Für alle. Mitten in Venedigs brackiger Lagune eine atemberaubende Bergungsaktion. Apokalypse oder Einläuten einer neuen Zeit? Eine nackte Performerin hängt an durch die Haut gebohrten Haken wie ein zappelnder Fisch. Verletzlich und furchtlos zugleich. Und das ist nur der Anfang für den österreichischen Pavillon, den Florentina Holzinger dieses Jahr mit ihren Performerinnen besetzt. Erst mal eine Triggerwarnung vorweg. "Achtung, nackte." Auch hier schlägt die Glocke jede Stunde. * Glockenläuten * Drinnen dann ein Erlebnis, das niemanden kaltlässt. May I ask you, How do you like it? - Ich habe es sehr genossen. - Nein, ich mag das nicht. - Eine krasse Form, unsere dystopische Welt zu beschreiben. - Das ist mir jetzt echt nahegegangen. KS: Im Zentrum des Pavillons eine Frau im Aquarium. Und sie lebt, im wahrsten Sinne des Wortes, im Urin der Besucher. Nur durch eine kleine Anlage gefiltert. Maximal irritierend. V.a. auch der Raum daneben, in dem der gröbere Dreck aus den Toiletten landet. Angeblich. Installation, Choreografie und interaktive Performance neu gemischt. Kuratorin Nora-Swantje Almes hat fast zwei Jahre mit Florentina Holzinger an diesem Projekt gearbeitet. Die Performerin, die wechseln sich ja zum Glück ab. In dem Wassertank, wo geklärter Urin reingeleitet wird. NA: Genau, das ist recycelter Urin. Wir haben eine richtige Recyclinganlage in den Pavillon gebaut, weil es um diese Wasserkreisläufe geht. KS: Wie lang ist die da drin? NA: Jeden Tag acht Stunden. KS: Acht Stunden, eine Person? NA: Genau, das ist die Schicht im Wassertank. KS: Ist möglich. Ich hab schon eine Spende abgegeben. Hier wird mit dem Ekel gespielt, wie das Florentina Holzinger per se macht. NA: Na ja, das kommt drauf an. Ob sie hier bei uns auf die Toilette gehen oder hinter dem griechischen Pavillon stehen ähnliche Dixi-Klos. Es ist anders sichtbar, aber es geht auch darum mit dem Ekel oder mit dem Schock, der Florentinas Arbeit zugeschrieben wird. Sie arbeitet damit, um uns aufzuwecken. KS: Der Pavillon wird vom Urin überflutet wie die Stadt Venedig selbst. Ein Jetski wird zu einem wilden Tier in der Manege. Tourismus außer Kontrolle. Und eine lebendige Wetterfahne zeigt, dass der Wind sich vielleicht doch gerade dreht. Florentina Holzinger ist definitiv der Star dieser Biennale. Ihre Themen perfekt für die Lagunenstadt. "Sea World Venice" heißt ihr Beitrag. FH: Das ist eine Art von dystopischem Unterwasser-Themenpark, die da passiert. Andererseits ist es nicht eine Erfindung von uns, sondern es ist die Realität, in der wir schon alle Leben. Dass man die reale Situation schon als etwas begreifen kann, wo Leute im Müll und in den Leftovers von anderen Leuten leben. Und auch das, was wir aus unseren Leitungsszenen trinken, ist früher oder später mal durch einen Menschen gegangen schon. Das ist ein Spiel mit so einer Realität, die wir eh alle erfahren. Und es wird einfach mehr sichtbar gemacht in unserem Pavillon. KS: Nackte Haut- und Körperflüssigkeiten gibt's auch im dänischen Pavillon. Eine Samenbank rief die Künstlerin Malou Lyse an und fragte, ob sie etwas mit 20 Liter Sperma anfangen könne. Sie konnte. Ihre Arbeit, "Things to come", basiert auf der wissenschaftlichen Erkenntnis, dass häufiger Konsum von VR-Pornos die Beweglichkeit von Spermien um 50 % steigert. Blöd nur, wenn man vor lauter Pornos gucken nicht mehr zum Sex kommt. Ein satirischer, wenn auch nicht sonderlich subtiler Kommentar zu "toxischer Männlichkeit". Neben den Länderpavillons ist die zweite Säule der Biennale die Hauptausstellung. Und die will in diesem Jahr den Konflikten der Welt etwas entgegensetzen. Das hier soll möglich sein in der Hauptausstellung. Einatmen. Ausatmen. Ihr Anspruch, einen Ort der Ruhe zu schaffen. "In minor Keys" - in Molltonarten, so der Titel. Nicht melancholisch, sondern leise will sie sein. Ausgedacht hat sich das die in Kamerun geborene künstlerische Leiterin Koyo Kouoh. Sie ist im vergangenen Mai überraschend verstorben. Ihr Team aus Kuratoren hat versucht, ihr Motto umzusetzen. - Hello, nice to meet you. - Nice to meet you. - Hi, it's a pleasure to meet you. RS: Wir mussten mit ihrer Abwesenheit arbeiten. Aber es war eine anwesende Abwesenheit. Die Biennale war ihr größter Wunsch. Und wir hoffen, diesem Wunsch gerecht geworden zu sei Auch die Künstler sind über sich hinausgewachsen. Es herrschte überall dieser Geist. Da war immer dieses "Für Koyo, Für Koyo". KS: Und warum haben Sie den Titel "In Minor Keys" gewählt? RS: In den Molltonarten liegt die Schönheit, die Musik, die Poesie, die Menschen auch in Zeiten der Tragödie weiterhin erschaffen. Sie wird meist vom lauten Getöse des Chaos, des Krieges und des Konflikts übertönt. Wir hoffen, dass die Menschen in dieser Ausstellung diese Musik in Moll hören können. KS: Die Ausstellung zeigt sinnliche Kunst, in die man richtiggehend eintauchen kann. Das sind besonders herausfordernde Kunstwerke. Da will man immer ran und gucken, ob das weich ist und das hart. Aber ich darf ja nicht. Die kubanisch-amerikanische Künstlerin Maria Magdalena Campos-Pons wünscht, dass ihre Kunst Lebensfreude schenkt und der allgemeinen Erscheinungsschutz der Kunst und der Schöpfung etwas entgegensetzt. Sie hat extra für die Ausstellung Magnolienblüten aus Murano Glas gefertigt. Zeigt, wie sich eine Knospe zur Blüte bis hin zum Samen entwickelt. -MC: Es ist eine Feier der Geschichte und der Energie der Ahnen. Wir interessieren uns sehr für die Idee, dass Mensch und Natur eins sind. KS: Sie war eine Freundin der Kuratorin Koyo Kouoh und hat sie zusammen mit der Schriftstellerin Toni Morrison in ihrem Bild verewigt. In einer Prozession haben die Teilnehmer*innen der Hauptausstellung die verstorbene Koyo Kouoh noch einmal angerufen. - Koyo! Koyo! KS: Vielen Künstlerinnen und Künstlern in der Ausstellung dient Schönheit als Mittel zur Aufarbeitung des Schreckens. Diese Stühle nennt der Künstler "Heilungsmaschinen". Sie bestehen aus Fundstücken, die er auf Flüchtlingsrouten gesammelt hat. Dabei verarbeitet er seine eigene Geschichte. Er ist selbst als Minderjähriger ohne Eltern geflohen. Eine große Zahl von Kunstwerken stammt von afrikanischen Künstlerinnen und Künstlern. Der Versuch, von einer schwarzen Perspektive aus auf die Welt zu schauen. Big Chief Demond Melancon fertigt kunstvolle Kostüme für den Mardi Gras Karneval in seiner Heimatstadt New Orleans. An einem Anzug arbeitet er in der Regel ein Jahr lang täglich 18 Stunden. DM: Molltonarten sind tief und sie sind leiser. Und wenn ich diesen Anzug fertige, befinde ich mich in einem ruhigen Zustand. Ich meditiere und bin ganz bei mir. KS: Das Kostüm zeigt den Sklavenaufstand auf der Amistad. Für Big Chief Melancon ist Karneval eine Art von Widerstand. Seine Performance für das biennale Publikum gibt einen Einblick in den Mardi Gras. Er pflegt die Tradition der "Black Masking Indians". Ein Wettbewerb von verschiedenen Stämmen, die gegeneinander antreten. Wer hat das schönste Kostüm? Die Tradition entstand im 19. Jahrhundert, als es für Schwarze Menschen verboten war, an den Karnevalsumzügen in New Orleans teilzunehmen. DM: Wir versuchen, die Tradition zu bewahren, nicht sie zu ändern. Denn das wäre eine Verletzung der Kultur und der Vorfahren. Deshalb müssen wir die Tradition genauso weiterführen, wie wir sie gelernt haben. KS: Karneval ist bekanntlich auch in Venedig eine große Sache. Eine Tradition aus dem Mittelalter, die Maskenmacher wie David pflegen. Doch anders als man denkt, war der Straßenkarneval 180 Jahre lang tot. DB: Als Napoleon 1797 nach Venedig kam, setzte er dem Tragen von Masken ein Ende, da diese mit dem Ancien Regime in Verbindung gebracht wurden. Zudem gab es ein Sicherheitsproblem. Und so ging die Tradition verloren, wurde aber nicht völlig vergessen. KS: Interessanterweise hatte die Theaterbiennale 1980 einen wichtigen Anteil daran, die Karnevalstradition wiederzubeleben. Verantwortlich war der damalige Chef der Theatersektion, Maurizio Scaparro. Sein Assistent war auch mit dabei. PM: Er entschied sich, den Karneval als Fest der Kultur und des Theaters neu zu erschaffen. Es war ein durchschlagender Erfolg. KS: Die Performances der Theaterbiennale haben so den Karneval, gemeinsam mit der Initiative lokaler Bürgervereine, Anfang der 80er-Jahre wieder zu großem Fest in den Straßen und auf den Kanälen der Stadt gemacht. Auch die Maskenwerkstatt von David wurde damals von seinem Vater gegründet. Sie haben das Kunsthandwerk wiederentdeckt und pflegen es bis heute. Alte Handwerkstraditionen zu würdigen, ist auch für die Hauptausstellung der Biennale wichtig. Celia Vasquez Yui, zum Beispiel, ist eine der letzten, die die Keramiktechnik der Shibibo-Conibo aus dem peruanischen Amazonasgebiet beherrscht. Erdmystik, Spiritualität und Wiederverzauberung sind in vielen Arbeiten präsent. Die Kritik an der westlichen Moderne gefällt wohl auch dem Chef der Biennale, Pietrangelo Buttafuoco. Ein Interview gibt der Freund der postfaschistischen Ministerpräsidentin Giorgia Meloni nicht. In Italien ist der Intellektuelle berühmtberüchtigt. TM: Pietrangelo Buttafuoco ist ein Vordenker der Rechten. Er ist zweifellos ein intelligenter Mensch, aber er hat nie einen Hehl aus seiner rechtsextremen politischen Gesinnung gemacht. KS: Hatte das Kuratorenteam keine Angst, von Buttafuoco für sein rechtes Denken instrumentalisiert zu werden? RS: Wir hatten die absolute Freiheit, uns mit den Künstlern auszutauschen. Und die Künstler konnten Vorschläge ganz nach ihren Wünschen einreichen. In diesem Sinne haben die Positionen des Präsidenten keinerlei Einschränkungen oder Vorgaben auferlegt. KS: Die Künstlerin Tabita Rezaire hat diese Freiheit genutzt, um Kritik an Israel zu üben. Sie zeigt die Göttin Yemanja in verschiedenen Situationen. TR: Alle Yemanjas teilen ihre Energie, ihre Liebe, ihre Heilkraft für Palästina. Und all die Gaben hier bringen hoffentlich Solidarität und Verbundenheit mit dem Kampf der Palästinenser, ihrem Land. KS: Täglich demonstrieren Künstlerinnen und Künstler zum Sound von israelischen Drohnen. Sie solidarisieren sich mit ihren Künstlerkolleg*innen in Gaza. Viele Teilnehmende kritisieren die Anwesenheit Israels auf der Biennale. RF: Ich repräsentiere hier Amal Al-Nakhala, die ist eine 25 Jahre alte Künstlerin aus Gaza. Und wir alle haben eine Beziehung zu jedem Künstlern, den wir tragen. Und das war ganz wichtig für die Solidarität zu setzen und halt auch die Welt aufmerksam zu machen, dass das einfach nicht weitergehen kann. KS: Israels angestammter Pavillon bleibt in diesem Jahr geschlossen. Offiziell wegen Renovierungsarbeiten, aber womöglich auch, weil sich davor trefflich demonstrieren ließe. Stattdessen zeigt der israelisch-rumänische Künstler Belu-Simion-Fainaru seine Installation in einem alten Magazingebäude. Im Kontrast zu den hitzigen Protesten ist es hier kühl und still. Aus unzähligen Düsen tropft Wasser. Ein Bezug zur schwarzen Milch aus Paul Celans Todesfuge. BF: Paul Celan stammt auch aus Rumänien, war Jude, überlebte den Holocaust. Seine Eltern starben in Auschwitz. Auch mein Vater wurde deportiert, auch meine Familie wurde diskriminiert. Wir haben einiges gemeinsam. Ich fühle mich ihm nah. Das hier ist ein Ort der Kontemplation, um ihn mit allen Sinnen wahrzunehmen. Das Wasser hat einen Bezug zu Venedig und Wasser ist eine Quelle des Lebens KS: Und wie gehen Sie mit den Widerständen gegen die Teilnahme Israels um? BF: Es sollte nicht möglich sein, dass ich als Künstler aufgrund meines Passes, meiner Identität, boykottiert werde. Aus meiner Sicht ist das eindeutige Diskriminierung. Das verletzt meine Menschenrechte. KS: Ein ganz klarer Fall von Zensur ist Südafrika. Der Pavillon bleibt auf Geheiß der Regierung Leer. Gabrielle Goliath zeigt ihr Videoprojekt Elegy nun abseits in einer venezianischen Kirche. Der Grund für die Ablehnung? Die Arbeit erinnert mit einer Leerstelle an eine palästinensische Dichterin, die bei einem israelischen Luftangriff getötet wurde. Für den Griechen Andreas Angelidakis sind die nationalen Pavillons allesamt Echokammern der Ideologie. Seine Arbeit bezieht sich auf das Jahr 1934, als Hitler und Mussolini die Biennale besuchten, der griechische Pavillon eingeweiht wurde und die Verfolgung homosexueller begann. Der schwule, HIV-positive Architekt hat einen eigenwilligen Escape Room konzipiert. AA: Es gibt ja hier die Diskussion über die Teilnahme einzelner Länder. Das bedeutet meist, wenn ich mit der Politik meiner nationalen Regierung nicht einverstanden bin, sollte ich nicht teilnehmen. Ich finde es interessanter, trotzdem teilzunehmen, ob ich jetzt damit übereinstimme oder nicht. Ich befinde mich außerhalb des nationalen Narrativs, aber sie erlauben mir, meine Kunst zu zeigen. Und das ist für mich entscheidend. Wir wollen doch gar keine Länder mehr. Ich bin gegen das Nationale, ganz allgemein. KS: Aber Sie stellen doch in einem nationalen Pavillon aus. AA: Ich nutze das System. Ist das nicht das, was wir tun sollten? KS: Stimmt. Zur Einweihung wird der Escape Room zum Club. Antanzen gegen den politischen Wahnsinn. Mussolini hätte nicht schlecht gestaunt. Hitler übrigens auch. Der Deutsche Pavillon ist kaum wiederzuerkennen. Der Bau, 1938 von den Nazis in faschistische Form gebracht, in diesem Jahr eine imposante Plattenbauruine. Eine Illusion aus über drei Millionen Mosaiksteinchen. Drinnen eine grüne Hölle in der Farbe sowjetischer Kasernen, mit eisernem Vorhang aus Kettenhemden. Eindeutig Premiere, zum allerersten Mal haben zwei ostdeutsche Künstlerinnen den Pavillon übernommen. Eine der beiden kann nicht mehr dabei sein. Henrike Naumann ist vor einigen Wochen an einem spät diagnostizierten Krebsleiden gestorben, mit nur 41 Jahren. Jetzt stellt sich ihr Partner, selbst Historiker, tapfer dem Presseandrang. CV: Wenn sie hier sein könnte, würde sie halt mit jedem sprechen, der hier ist, weil das war ihr immer ein großes Anliegen, sozusagen ihr selbst das zu vermitteln, worum es in ihrer Kunst geht. Und wäre dann sozusagen bis Sonntag hier gewesen und hätte wirklich mit jedem gesprochen. Und deswegen habe ich auch alles zugesagt und dachte, das wäre in Henrikes Sinne. KS: Sie hat ja die Konzeption dieses Biennalebeitrags tatsächlich ja auch noch bis zum Ende durchgebracht. Nur die Umsetzung, die musste dann eben anderweitig erfolgen. Wie hat sie denn überhaupt die Energie aufgebracht? War das so eine Art von Traum und fast schon Pflicht, das hier zu machen, dass sie das so durchgezogen hat? CV: Sie hat jahrelang darauf hingearbeitet, weil sie sich sehr für Räume interessiert hat und das sozusagen der ultimative Raum ist. Und uns war sofort klar, dass der Pavillon gemacht werden muss, trotz der Diagnose. Sie hat dann ihre Arbeitsweise ein bisschen angepasst, weil sie die Kraft gefehlt hat, alles ganz genau zu überwachen. Und wir haben dann so mit ganz vielen Freundinnen und Freunden so Arbeitsgruppen gebildet. Und dann war es auch so, dass ich ihr immer Fotos und Videos gezeigt habe, wenn sie im Krankenhaus war zum Beispiel. Und dann hat sie gesagt, ja, nein, das anders, so machen wir es nicht, genau. KS: Henrike Naumanns Krankheit wurde Ende November diagnostiziert. Viel Zeit blieb ihr also nicht. Doch sie hatte 400 Seiten Konzept vorgelegt. Ihr Kunstwerk mit dem Titel "Die Innere Front" füllt nun alle Wände des Hauptraumes. Schräg, amüsant und unterschwellig bedrohlich zugleich. CV: Ich glaube, es macht Sinn, den Raum erst mal als Ganzes zu Denken, weil sie sich vorgestellt hat, dass man als Besucherin oder Besucher, man kommt rein und sieht so ein Panorama, ein Geschichtspanorama des 20. Jahrhunderts, was irgendwie in die Zukunft reinläuft. Die Besucher*innen bewegen sich durch den Raum und man hat rechts das eine Deutschland, was repräsentiert wird durch das Wandbild "Mechanisierung der Landwirtschaft", was ihr Opa gestaltet hat in den 1960er Jahren in der DDR, was heute hinter einer Trockenbauwand von der Industrie- und Handelskammer in Chemnitz verborgen ist. Und auf der linken Seite ist eine erzgebirgische Bauernstube nachempfunden im neuen Deutschen Design. Das ist eine Designrichtung aus den 80er Jahren, das repräsentiert das andere Deutschland. Und das läuft zu auf den eisernen Vorhang. Und hinter dem eisernen Vorhang stellt Henrike die Frage, ob wir uns in einer neuen Vorkriegszeit befinden. KS: Eine Vorkriegszeit, in der sich eine Gesellschaft wieder Schritt für Schritt militarisiert? Mit kuriosen Möbeln und Fundstücken bespielt Henrike Naumann den Deutschen Pavillon mit einer neuen Art von Aufarbeitung. Sie soll gesagt haben: Die schlimmste Vernichtung scheint es zu sein, es sich gemütlich zu machen". Und letztlich dann zu merken, dass es gemütlich gar nicht gibt. Was hatte sie gegen Gemütlichkeit, um es mal so zu formulieren? CV: Sie hatte sich natürlich beschäftigt mit was andere Künstlerinnen und Künstler hier mit dem Pavillon gemacht haben. Und gemerkt, nochmal die NS-Geschichte aufarbeiten, das brauchen wir eigentlich nicht. Weil es ist eigentlich gut aufgearbeitet und wir das alles wissen. Und dann dachte sie, okay, dann möchte ich ihn einrichten, dass es gemütlich ist. Aber hat dann natürlich schnell gemerkt, es sind ungemütliche Zeiten, in denen man nicht gemütlich Leben kann. Und daher kommen auch die Vorhänge, die sie als so verletzte Vorhänge gesehen hat. KS: Wie mit Schusslöchern? CV: Genau, mit Einschusslöchern und mit Narben. KS: Clemens Villinger wird nicht müde, über und für die Kunst seiner Frau Henrike Naumann zu sprechen. Sogar die von ihr erdachte Performance "Trümmerfrau" gab es bei der Eröffnung noch zu sehen. Die andere Künstlerin des Deutschen Pavillons ist die Berlinerin Sung Tieu, die in Vietnam geboren ist. Sie hat aus dem Pavillon tatsächlich ihr Zuhause gemacht. Nämlich den Plattenbau, in dem sie als Kind mit ihrer Mutter gelebt hat. Das ehemalige Wohnheim für vietnamesische Vertragsarbeiter in Berlin-Hohenschönhausen. Heute eine Ruine, die abgerissen wird. ST: Das sind sozusagen die Balkone. Und hier würde man sozusagen neben dem Balkon stehen. KS: Der Schriftzug "Germania", der sonst oben am Gebäude prangt, liegt nun unter Tausenden von Steinchen verborgen. ST: Ich bin erstens happy, dass das "Germania"-Zeichen nicht mehr da ist. Das war essentiell. Und natürlich bin ich stolz darauf, dass es natürlich meine Gehrenseestraße abbildet. Das Gebäudekomplex, in dem ich gelebt habe, von 94 bis 97. Und dass es jetzt hier auf der Jardinie in den Biennalen so eine Präsenz hat. KS: Plattenbau, der plötzlich wie byzantinische Mosaikkunst daherkommt. In den 90ern lebten über 6.000 Menschen in dem riesigen Wohnkomplex, eine große migrantische Gemeinschaft. Die auch Ziel von solchen Angriffen war, wie sie Sung Tieu auf ihrem Kunstwerk am Körper demonstriert. ST: Ich habe dort sehr viele, auch schwierige Erfahrungen dort gemacht. Es gab eine Projektion der Gewalt auch. Es gab auch den Versuch, eigentlich die Gehrenseestraße zu stürmen. Sehr ähnlich wie die Pogrome in Rostock-Lichtenhagen. Und all diese Ebenen der Geschichte interessieren mich. KS: Diese Geschichten und Perspektiven, ostdeutsch, weiblich, migrantisch, waren so tatsächlich noch nie im Deutschen Pavillon vertreten. Dass sie nun auf der Biennale in Venedig endlich und so gelungen ihre große Bühne behaupten können, ein absoluter Lichtblick. Im italienischen Pavillon ist es dunkel. Und rätselhaft. Ein Wald von Figuren. Vielleicht lebt bzw. wächst da sogar was. "Con te con tutto" - Mit dir, mit allem. So heißt das Werk von Chiara Camoni. Eigentlich ein Gemeinschaftswerk. Mit Objekten fremder Künstler, wie Teeschalen oder Gemälden. Im zweiten hellen Raum beleben Tänzer*innen Hausfragmente und füllen den Ort mit Bewegung und Sound. "Zusammenarbeit" ist das Zauberwort. Und es ist eine Einladung, anders zu denken. Sagt die Kuratorin Cecilia Canziani. Ist das ein feministisches Kunstwerk? CC: Auf jeden Fall kommt es aus dem feministischen Denken. Chiara und mir war ganz klar, dass der Pavillon nur in Zusammenarbeit entstehen kann. Im Sinne von Co-Kreation, Arbeiten im Austausch mit anderen Menschen mit unterschiedlichen Stimmen. Das ist kein linear erarbeitetes Einzelwerk, sondern ein Netzwerk von vielen. KS: Ein feministisches Netzwerk. Das würde Beatrice Salvioni sehr gefallen. Denn der Shootingstar der italienischen Literaturszene erwartet nichts gutes für die Sache der Frauen von ihrer Regierungschefin Giorgia Meloni. BS: Sie ist ganz sicher keine Feministin, sondern orientiert sich sogar am Patriarchat. Sie nutzt ihre Macht eher, um die Traditionen fortzuschreiben und versucht nicht, das System zu verändern. KS: In ihren Büchern schreibt Salvioni eigentlich über die Rolle der Frauen im Faschismus der 30er und 40er Jahre, sieht aber erschreckende Parallelen zu heute. BS: Ich bin überrascht und entsetzt, dass die Welt von Jahr zu Jahr seit dem Erscheinen von "Malnata" mehr und mehr zu dem wird, was wir in der Mitte des 20. Jahrhunderts schon einmal hatten. KS: Wiederholt sich die Geschichte? Auch deswegen wollte die in Venedig lebende Journalistin Petra Reski unbedingt Italienerin werden, weil sie wählen wollte gegen die Rechten. Doch die konnte sie dann doch nicht verhindern. Seit 2022 sind die postfaschistischen Fratelli d'Italia mit Meloni an der Regierung. Und das hat Folgen. Auch für die Kultur. Wie sehr ist denn Kunst und Macht in Italien aktuell verwoben? PR: Das ist das Programm von Meloni von Anfang an gewesen. Die Kulturpolitik war ihr sehr wichtig. Es wurde von Seiten der Rechtskoalition immer behauptet, dass die ganze italienische Kultur sozusagen praktisch dominiert würde von den Linken. Und das sollte ein Ende haben. Und man sollte nur noch nach Verdienst sozusagen eingestellt werden. Und das ist natürlich besonders amüsant, wenn man bedenkt, dass fast überall an den leitenden Positionen jetzt Freunde, persönliche Freunde von Meloni dann eben eingesetzt werden. KS: In ersten Amtshandlungen von Meloni wurden bei der "RAI", dem Öffentlich-Rechtlichen Rundfunk Italiens, alle Führungspositionen mit Freunden Melonis neu besetzt. PR: Man muss unterstreichen, dass jede italienische Regierung immer sich sofort den Öffentlich-Rechtlichen Rundfunk unter den Nagel gerissen hat. Wir haben die Berlusconi-Sender, die natürlich dann eben in der Koalition, Meloni-Koalition sind. Und dann haben wir den Öffentlich-Rechtlichen, der eben Melonis Position hat. Also es gibt keine Opposition irgendwo. KS: Und doch, eine Justizreform, die der Politik mehr Einfluss bei Personalentscheidungen gegeben hätte, haben die Italiener innen verhindert. Aber reicht das? Die extreme Rechte ist immer faschistisch in Italien, so die These des Kunsthistorikers Tommaso Montanari in seinem neuen Buch. TM: Es ist eine Regierung, die Freiheit der Meinungsäußerung durch Dekrete beschränkt. Damit nutzt sie das Strafrecht, um Italiener, die widersprechen, zum Schweigen zu bringen. Es ist also eine Regierung, die darauf abzielt, die politische Substanz der Verfassung zu Schleifen. Das ist sehr deutlich. Melonis Projekt ist eine substanzielle Veränderung der antifaschistischen Verfassung von 1948. Bislang ist es nur ein Projekt, das noch nicht durchgekommen ist, aber es ist ein klar erkennbarer Versuch. Noch sind viele Italiener widerständig, rufen zu Generalstreiks auf und demonstrieren gegen die Besetzungen wichtiger kultureller Posten. TM: Die Rückkehr zur Idee, dass Kunst eine Staatskunst sein müsse, eine Kunst, die bestimmten Kanons gehorcht, eine Kunst, die nicht so frei sein darf, dass sie die Religion kritisiert, kurz, dass es entartete Kunst gibt und richtige Kunst, ist mehr als beunruhigend. KS: Ruhe vor sämtlichen politischen Querelen kann man in einem mystischen Garten mitten in Venedig finden. In den Klosteranlagen aus dem 17. Jahrhundert liegt eine Oase. Sie ist Teil des Vatikanischen Beitrags zur Biennale, gewidmet der Mystikerin Hildegard von Bingen. Hier haben die leisen Molltöne des Biennale-Mottos ihren großen Auftritt. Aus Kopfhörern schleichen sich Gesänge und Melodien in die Gehörgänge der Besucher*innen. Ein Klanggebet, zusammengestellt von über 20 zeitgenössischen Künstlern und Künstlerinnen, unter anderem von Patti Smith und FKA Twigs. TM: Offen gesagt, ich glaube seit langem, die Biennale ist nicht der Ort, an dem ich nach Kunst Suche, die die Welt heute rettet. Auch wegen ihrer engen Bindung an Regierungen. FH: Wir befinden uns in einer instabilen politischen, globalen Lage und die Biennale spiegelt das wieder. Und da geht es auch um eine alte Struktur, die aufgebrochen werden muss. Und wir sind dabei, wenn alte Systeme zusammenbrechen. DV: Was Kunst wirklich gut kann, ist, Zerwürfnisse zu zeigen. Wir können diese nicht beheben. Es sollte auch nicht die Aufgabe von Künstlern sein, die Weltprobleme zu lösen. Aber wir können Bilder wie "Guernica" schaffen, die zeigen, wie zerrissen wir gerade sind. KS: Also es ist definitiv eine Biennale der Extreme in diesem Jahr. Es gibt diese wunderschönen leisen Töne, aber auch ordentlich Kawum. Das Böse in der Welt ist hier in Venedig absolut präsent, aber eben auch das Gute in Menschen. Die Kooperationsfähigkeit, Neugier, Liebe und auch Hoffnung. Und das alles wird transportiert über das immer wieder erstaunliche Medium der Kunst. Definitiv eine Biennale, an die man sich erinnern wird.